Les principes narratifs

En animation, un principe primordial est celui de l’anticipation. Il est essentiel de le maîtriser afin de proposer des mouvements réalistes.

Chaque action effectuée va être sujette à un mouvement d’anticipation. Prenons un exemple. Imaginons un joueur de foot qui tape dans un ballon. Il ne va pas juste taper dans le ballon. Il va d’abord s’y préparer. Il va commencer par prendre appui, lever sa jambe, reculer son pied pour prendre l’élan, puis effectuer l’action en envoyant son pied vers l’avant.

Chaque mouvement a donc un moment de préparation. L’anticipation accentue le mouvement et lui donne de la puissance. Si le joueur tape dans le ballon directement, sans prendre d’élan, le ballon risque de ne pas aller très loin et le mouvement ne sera pas naturel. Le but est que le spectateur puisse se préparer au mouvement qui va se faire à la suite de cette anticipation. Lorsqu’on voit le joueur prendre appui sur un pied, reculer la jambe levée en arrière, on se doute du mouvement qui va suivre.

C’est pareil pour la plupart des mouvements. Que ce soit un personnage qui saute, un visage qui rigole, une mouette qui s’envole. Avant l’action même, il y a toujours une pré-action.

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On va trouver plusieurs niveaux d’anticipation. Une légère anticipation ou bien une anticipation exagérée, dans laquelle le mouvement sera surjoué afin d’être encore plus accentué.

La mise en scène est primordiale pour dynamiser une animation et raconter une histoire. Il s’agit tout simplement de la façon de positionner les éléments dans le décor, de cadrer l’image, de jouer sur la lumière, d’animer ou non certains éléments.

Avant même de commencer à animer, il va être important de savoir comment va être cadré le sujet et ce qui doit être en mouvement. L’objectif va être d’attirer l’œil du spectateur sur un ou plusieurs éléments de la scène. C’est l’animateur qui va décider de ce que verra le spectateur. Par exemple, on voit une personne qui pêche. On va d’abord montrer le pêcheur, puis faire un autre plan sur lequel on verra un poisson se rapprocher de l’hameçon, puis revenir en gros plan sur le visage du pêcheur qui est surpris par sa prise. On aura ainsi indiqué au spectateur où il doit regarder et quels éléments sont importants à prendre en compte.

Mettre trop d’éléments ou d’informations sur le même plan risque de créer de la confusion chez le spectateur, qui ne saura plus où regarder.

C’est pour ça qu’il est important de maîtriser les plans et les règles de cadrage. Il faut savoir à quel moment on doit faire un gros plan sur le personnage et à quel moment il vaut mieux le voir de loin, s’il doit être placé à droite plutôt qu’à gauche, etc. Normalement, tout ce travail se fait en amont sur le storyboard (une petite bande dessinée qui illustre l’animation et y intègre les mouvements, les plans et les angles de caméra).

Tous ces éléments sont essentiels pour faire comprendre au spectateur l’ambiance de la scène. Par exemple, si on anime un enfant dans un salon, on va ajouter plusieurs éléments dans ce salon, qui nous rappellent que nous sommes bien dans une maison avec un enfant. On va intégrer plein de jeux partout sur le sol, un verre de grenadine sur la table basse, une peluche sur le canapé, un cadre photo familial sur la commode, etc. Le but est de faire en sorte que le spectateur se sente immergé dans l’environnement.

Au contraire, si on veut axer l’animation sur les mouvements du personnage, on aura plutôt tendance à créer un décor simple, qui n’a pas besoin d’être très animé, afin que le spectateur se concentre sur l’essentiel.

Avant même d’animer, il faut donc penser à la mise en scène, à la position de la caméra, aux jeux de lumière, etc., afin de faire passer le message au mieux.